Reseña sobre la muestra "Paisaje Nervioso" - Vicente Grondona

Naturaleza Omnipresente

En la Galería Alberto Sendros - del 21-12-11 al 24-02-12

Un diálogo con el pasado y con el presente, con la historia del arte y la naturaleza. A sumergirnos en el mismo nos invita Vicente Grondona con sus obras, en la muestra “Paisaje Nervioso”, exhibida en la Galería Alberto Sendrós.

Las pinturas y el dibujo en carbón sobre tela, así como las esculturas en talla directa en carbón vegetal, tienen en común lo natural como medio expresivo y como mensaje aprehensible. Esta omnipresencia invade la sala y sensibiliza al espectador: todo parece cercano, sobre todo el carbón como algo de uso cotidiano si se quiere, y lejano a la vez, por el aura que rodea a las obras.

Pueden establecerse numerosos vínculos entre las obras de Grondona y la historia del arte: en lo bidimensional el uso de la tinta y los trazos pueden remitir a la pintura oriental, a un impresionismo depurado y sintético. En lo escultórico se puede recordar las tallas medievales románicas y las de las misiones jesuíticas. Reminiscencias del pasado rodean a las obras tridimensionales, trabajadas con una maestría impecable teniendo en cuenta al material. Las cabezas femeninas y masculinas, las máscaras y los conjuntos de objetos (Anaqueles Posthistóricos I y II) poseen un carácter cuasi arqueológico, quizás arcaico, que vincula pasado, presente y futuro, prehistoria-historia y posthistoria. Un ida y vuelta en el tiempo, perceptible frente al conjunto de obras. Objetos reconocibles e irreconocibles, formas concisas y utilitarias, evocaciones de lo que estuvo y lo que está. Rostros sin cuerpo, como restos hallados provenientes de otro tiempo, de otro lugar. Todo confluye en el mismo espacio y entra en relación con los cuadros y sus motivos naturales.

Más allá de estos nexos realizables, lo interesante es la originalidad y sensibilidad que muestra Grondona para adueñarse de la naturaleza en el doble juego que implica pensarla como material expresivo y  como tema o motivo.  El fragmento es resignificado y revalorizado. El resto, el escombro, es material  que contiene en potencia la expresión, es medio y lenguaje a la vez.  Y la habilidad del creador hace que confluya esa latencia, que encuentra en el mismo, en obras únicas y singulares, que no pierden su cualidad innata natural. Dichas características recorren toda la producción del artista, que siempre se ha valido de la experimentación con los materiales y ha desarrollado un corpus de obra coherente y conciso, basado en las premisas antes mencionadas que son pautas de estilo propias. 

Las pinturas y el dibujo toman el tema del paisaje con sutileza, a veces plagando la superficie de líneas, otras esbozando y sintetizando. El espectador contempla la frondosidad del paisaje santiagueño, la síntesis del “Paysage bleu”, el color alterado y contundente del “Paisaje nervioso”. La obra “Brujo que sale fuera del monte” se presenta a la manera de fábula, relacionándose directamente con los demás paisajes y con las esculturas, como si el conjunto de obras exhibidas se tratase de la narración de una historia con distintos tiempos pero al mismo tiempo, con distintos capítulos pero con el mismo hilo conductor de fondo. La historia del descubrimiento de la naturaleza como fuente de inspiración, de materia y de idea, tres estadios distintos y complementarios que se unen en un todo. Narración que nos invita a ver con otros ojos, a pensar en lo que nos rodea, a agudizar la percepción.



publicada en ramona: http://www.ramona.org.ar/node/41370
fotos publicadas en www.ramona.org.ar 

Reseña sobre "Geométricos en Acción"

"La Geometría como Lenguaje"

Artistas: Mauro Bustos Cerain, Martín y Pepe Cáceres, Clarisa Cassiau, Carolina Cerverizzo, Salvador Constanzo, Oscar Deza, Carlos Di Leone, Adriana Fasoli, César Fioravanti, Tomás Isla Cáceres, Marcelo Maira, Hilda Mans, Jorge Melfi, Eugenio Monferrán, Ana María Olivera, Jorge Pereyra, Anteo Savi, Cristina Sicardi, Gloria Stafforini, Enrique Tommaseo, Débora Trachter, René Trubol.
Galería de arte "Palermo H" - del 30/9 al 13/10/11
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Herederos de los grupos Arte Concreto-Invención, Arte Madí y del Perceptismo, los artistas expositores en la muestra colectiva “Geométricos en Acción” son un claro ejemplo de cómo la geometría sigue siendo un lenguaje atemporal  y un medio de expresión abierto y contemporáneo.

Débora Trachter con su obra

Recorriendo la muestra podemos contemplar obras donde la geometría se circunscribe al ámbito bidimensional, otras donde se genera la tercera dimensión mediante la incorporación de elementos extra-pictóricos, otras donde se trabaja con el recorte del marco. La pintura, la escultura y el arte digital son las técnicas empleadas. Todas muestran una filiación directa con los movimientos antes mencionados, plantándose como exponentes actuales de tales tendencias.

Lo interesante es ver cómo la abstracción geométrica sigue vigente como medio expresivo. Al no depender del anclaje en una temática específica como el arte figurativo, como por ejemplo la historia, el mito o lo anecdótico, posee una mayor libertad expresiva e interpretativa.  Se  generan cuestionamientos al soporte tradicional, se abren significados, y son recibidos sin condicionamientos previos, abriéndose así un abanico de interpretaciones posibles para el espectador.

La geometría  es un lenguaje universal, atemporal. Se la ha empleado para realizar cuestionamientos en el seno mismo del arte. No sólo se ha planteado como alternativa superadora de la realidad, contra el realismo y con la intención de crear “objetos nuevos”, sino también como una búsqueda de la acentuación de los componentes plásticos puros. La línea, el plano, la relación figura-fondo, el color son base de investigaciones exhaustivas que producen resultados diferentes.

En la muestra  vemos lo anteriormente dicho en cada obra, en cada artista. Los marcos recortados de Gloria Stafforini, Martín Cáceres y Carlos Di Leone, la fuerza del color, la figura y la perspectiva en la obra de Adriana Fasoli, el planteo del límite entre la abstracción geométrica y la figuración en la obra de Mauro Bustos Cerain, son algunos de los ejemplos que podemos dar. Cabe mencionar la introducción del arte digital (ver la obra de Débora Trachter) como medio expresivo no “tradicional”, con la que la artista logra, gracias a su talento, una gran riqueza de formas y colores interrelacionados en el plano.

Imperdible panorama de obras y artistas geométricos y “en acción”.

Publicado el 1/10/11

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Reseña sobre la muestra "El color en el espacio y en el tiempo"

"Vivir el color"

Artista: Carlos Cruz-Diez
Malba - 21 de septiembre de 2011 al 5 de marzo de 2012
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Situar al color en el espacio y el tiempo. Esa ha sido la misión teórica y práctica de Carlos Cruz-Diez, artista venezolano nacido en 1923, a lo largo de su vasta carrera artística. Lo ha llevado a experimentar con diversos materiales y técnicas, así como en distintos campos como la pintura, la escultura, la arquitectura.

Si bien se lo ha catalogado como un “artista cinético”, el término excede su producción en tanto el movimiento no ha sido su única búsqueda plástica. Bien lo aclara Mari Carmen Ramírez en el folleto al que accedemos en el MALBA: compartió ciertas afinidades con el grupo, así como ámbitos de exposición, pero fue más allá de las premisas cinéticas.

Recorriendo la muestra, el espectador se ve inundado por el color. El mismo ha sido el punto de partida de la obra de Cruz-Diez, considerado como elemento atemporal del arte. Se libera de la bidimensionalidad, del plano, para incorporarse en el espacio y en el tiempo, libre de toda carga cultural. Vale como elemento primario para las investigaciones del artista, vale para la obra y en su relación con quien la contempla. Es el elemento clave, que permitirá que el espectador participe, se convierta en alguien activo frente a la obra. Porque, al ser el color algo que sale del lienzo “hacia afuera”, invita a cierta participación física, es percibido como lo fundamental, más allá de la geometría construida en los cuadros. Por ejemplo, muchas de las obras de la serie “Las Fisicromías informales” (1961) nos despiertan la necesidad de caminar de un extremo al otro del cuadro, en un ida y vuelta que modifica nuestra percepción de las mismas. Nos sorprendemos, nos admiramos, descubrimos, en el juego que se establece entre nosotros y la obra, nuevas formas de percibirla. El color es una presencia que se extiende más allá del plano, entrando en contacto directo con quien está observando. Esto es lo que diferencia a Cruz-Diez del arte cinético: como antes mencionáramos, no va en busca del movimiento dentro de la obra, sino que se vincula más con cierta línea de investigaciones que se dieron desde el siglo XX acerca del color como entidad autónoma. Cabe mencionar aquí a artistas que teorizaron sobre la temática como Klee, Kandinsky y Sonia Delaunay. 

Aquí no encontraremos un uso descriptivo, literario, decorativo ni metafórico del color. El color es libre, tiene vida propia. Y su vida se une a la de cada uno de los que se para frente a la obra. Lo cromático se introduce en lo cotidiano como podemos ver, por ejemplo, en las intervenciones de Cruz-Diez en edificios y la vía pública, sus proyectos arquitectónicos, inclusive en dos ambientaciones que se pueden recorrer en la muestra en las cuales nos sumergimos dentro de la concepción del artista, poniendo el cuerpo en el recorrido y percibiendo al color en el espacio y en el tiempo, en tres dimensiones. Así lo vivenciamos: quien entra en estos espacios es invadido, rodeado, “tocado” por el verde, el azul, el rosa, las líneas. La primera instalación une imágenes proyectadas sobre los muros y sobre dos objetos geométricos, la segunda es un espacio blanco dividido en tres, con luces de color. Aquí se pasa de la contemplación al “vivir el color” en sí mismo, a sentirlo. Nos traspasa, nos atraviesa.

El recorrido por la muestra nos lleva desde sus primeras obras figurativas, pasando por los primeros cuadros en donde la bidimensionalidad es concreta, para luego introducirnos en aquellos donde el color sale hacia afuera. Ayudó al logro de esto el trabajo del artista con elementos insertos en la bidimensionalidad. Acompañan esculturas, bocetos sobre las obras, las dos ambientaciones nombradas anteriormente, y un sector con sus proyectos arquitectónicos acompañados de un video donde podemos contemplar sus intervenciones en el ámbito urbano.

Esta primera y seria retrospectiva sobre la obra de Cruz-Diez es imperdible. Porque el mero relato del recorrido no alcanza para transmitir la experiencia del mismo, la huella que queda marcada en el espectador, la sensación de ser invadido y penetrado por el color. Estamos invitados a “vivir el color” y abrir así nuestra propia percepción del mismo, así como a participar activamente en la obra.

Publicado el 27/9/2011
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Reseña sobre la muestra "Recortes de Inventario"

"El Coleccionista y el Collage"

Artista: Eduardo Stupia
CC Recoleta - 26/8 al 25/9/2011
Publicado en ramona web

El mundo entero puede caber en la superficie bidimensional de un cuadro a través del collage. Lo más disimil puede entrar en contacto y cobrar significación, lo más similar puede diferenciarse, oponerse. Todo fragmento  descontextualizado se une a otros formando un todo nuevo. Ejemplos del empleo de dicha técnica se encuentra con el surgimiento de las vanguardias históricas, a principios del siglo XX. El objeto, inserto en el lienzo, no sólo rompe la bidimensión y aporta significado, sino que provoca un quiebre en el canon tradicional artístico que se seguía hasta ese momento.

Como bien dice el panel de presentación de la muestra, Eduardo Stupia es un coleccionista, un recolector de revistas, libros , fascículos, boletines, etc. que sirven de materia prima para su obra, así como son fuente de inspiración. Si se piensa que en el collage se juega el azar, es un error. Hay cálculo, hay relación, hay estrategia. Porque las partes vinculadas son elegidas adrede y su relación se establece con un sentido especial. A ésto se suma el plus de significación que cada receptor aporte a la obra, extraiga de ésta.                               

Stupia no sólo se vale de recortes sino que los une también a la pintura, al dibujo, a objetos, usa hojas de libros, fotografías. La bidimensionalidad se rompe con la tridimensión otorgada por algunos de ellos. Varias de las obras  se presentan en series siguiendo una técnica determinada que las agrupa, por ejemplo los collages de retratos recortados y rearmados. La unión de fragmentos puede ser aleatoria, como suele ocurrir en el collage, pero el significado que cobra lo reunido no lo es. Si bien las obras pueden cobrar múltiples significados según el espectador que las contemple, siguen un hilo común de sentido que les otorga coherencia. Se produce una pérdida de identidad de lo fragmentado, pero al mismo tiempo se crea una identidad nueva, enriquecida, modificada.   

   

 

                                                     

Entra en juego también la palabra. Frases recortadas y unidas en un espacio común, en distintos idiomas a veces, sobre distintos temas. Llaman la atención las imágenes de carácter enciclopédico, ya sea de personajes históricos como del mundo natural, animal, vegetal. También encontramos hojas de libros formando una serie específica. Da la sensación de encontrarse dentro de un gran compendio de saberes, de información, de datos. Se presenta como un todo integrado por partes que si vemos por separado notamos arrancadas de su contexto, pero que no pierden su coherencia en el nuevo lugar que ocupan, ni en la relación que establecen con lo que los rodea.                           

El artista se sumerge en un universo infinitamente rico en material al cual selecciona, otorga valor, une o reune, resignifica. Se apropia de aquello que representó algo para él y lo utiliza, lo modifica, le encuentra relación con otra cosa. Así constituye un texto nuevo  mediante textos anteriores, una nueva imagen con retazos de imágenes previas, todo de diversa procedencia pero de invaluable riqueza. Riqueza que salta a la vista al contemplar cada cuadro, cada composición y que llama al espectador a encontrar la relación, el significado, a sorprenderse, a descubrir. Cada cuadro nos invita a recorrerlo con la mirada, a encontrar en él el juego de relaciones, la concordancia, la vinculación. Nos muestra como gracias al collage,  técnica siempre actual y reactualizada,  el artista se conecta con el carácter lúdico del arte. Stupia juega al seleccionar y al unir, al intervenir, al crear.        

                     

                                                             

Acompañan en la muestra a las obras de Stupia dos series de Gabriela Di Giuseppe y Rosana Schoijett, que entran en vinculación, complementan y completan la idea de la muestra.           

Fotos de autoría propia. Publicado el 11/9/2011

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Reseña sobre la muestra "Fragmentar el Universo"

"Acerca de la Fragmentación del Universo"

Artistas: Luis Espinosa - Miguel Ángel Giovanetti
CC Recoleta - 12/8 al 11/9/2011
Publicado en ramona web

Luis Espinosa

El hombre es un fragmento del Universo, caótico y complejo. A su vez, cada individuo está fragmentado, escindido. Es la unión de mente-cuerpo, alma-razón, conciencia-inconsciente. Desde tiempos antiguos hemos buscado aprehender lo infinito, para poder comprender nuestra propia finitud. Hemos encasillado, recortado, estructurado. Nos hemos mirado y buscamos tratar de comprendernos y de coexistir con el caos que nos rodea.

Luis Espinosa

Luis Espinosa y Miguel Ángel Giovanetti continúan produciendo en un diálogo enriquecedor que los estimula, los limita como individuos pero los lleva a la reflexión compleja, creativa, productora. Primero concibieron “Universos Paralelos”, muestra conjunta en la Galería Ro, desarrollada entre abril y mayo del año en curso (http://www.ramona.org.ar/node/36384). Ahora nos presentan una ampliación de lo iniciado en ella, una continuación y profundización de sus reflexiones individuales y en común.

Siguen la línea de trabajo en base al dodecaedro y al pentágono con su significación Platónica. En esta nueva serie el pentágono se pliega, se analiza a sí mismo, se constituye en una mirada autorreferencial. Se desmaterializa, se multiplica, se deconstruye, se vacía y se llena. A su vez no escapa de su propia cualidad de fragmento del dodecaedro. Dicha figura es entendida como caligrama en sí misma, como letra dentro del alfabeto, en este caso, plástico.

Miguel Ángel Giovanetti

Giovanetti llena de color a la figura pentagonal, primero trabajando con líneas dinámicas curvas y luego problematizándola en su interior con la reiteración del pentágono en el pentágono mismo. Se endurece la línea con los bordes rectos, se reproduce en superposiciones la composición de cinco lados. También corta el lienzo dejando vacíos que respetan la forma trabajada.

Espinosa rompe. No sólo al dodecaedro dentro del Cosmos, a la manera de constelación, sino a cada pentágono que lo constituye. Fragmenta, deja vacíos, otorga volumen, inserta color a través de material extrapictórico y pictórico, hace ruido, otorga textura. Inserta también la palabra, el grafismo superpuesto, el recorte enciclopédico. La ruptura es acto consciente que da a luz al todo, considerado múltiple. Sigue la línea iniciada en sus obras para “Universos Paralelos”, sigue jugando con la noción de universo como escritura cifrada. El peso de la palabra, de la definición, la necesidad de describir y estructurar al mundo para comprenderlo se problematizan.

Migue Ángel Giovanetti

Ambos, desde su individualidad, trabajan el fragmento desde el fragmento de mundo en el que viven y crean, desde el fragmento que ellos mismos son dentro del Universo, desde su propia fragmentación. Y unidos construyen y reconstruyen haciendo un análisis intelectual rico y complejo que sostiene teórica e ideológicamente a la obra.

El fragmento puede ser entendido como una parte faltante en algo, así como también puede ser pensado como parte constructiva o constitutiva. Desde esta última línea de pensamiento, el caos cotidiano es llevadero, es sostenible. El vacío en forma de pentágono puede ser pensado como falta, como pérdida, pero también como espacio con significado propio, que resignifica a su vez a lo que lo rodea o contiene. La superposición de pentágonos puede ser vista como saturación, pero también como superposición enriquecida y enriquecedora, como completitud. Los seres humanos somos en gran medida eso: vacío, saturación, superposición de pensamientos cambiantes, complejos, sensaciones y sentimientos. Somos fragmento y totalidad, parte y todo. Somos complejos dentro de un universo complejo que nos supera pero que nos incluye a la vez.

Luis Espinosa

El término “diazoografón” subyace a la obra. Por definición significa atravesar, pasar a través de..., lo viviente (con) escritura, grabado, simbolización. Y aquí es donde tenemos que detenernos: simbolizar es una cualidad constitutiva del hombre, que lo diferencia del ámbito natural. Simbolizar es “hacer cultura”, atravesar la cultura, estar inserto en ella. Fragmentarla, construirla y deconstruirla, significar en ella son operaciones que van mutando con el devenir. La cultura deviene en la medida en que devenimos todos, está en constante cambio, en movimiento. El arte es una forma expresiva que nace dentro del ámbito cultural y que sirve de vehículo para la simbolización. Tiene efecto sobre las consciencias, las atraviesa, las modifica, así como influye en el entorno. Es una forma de canalización y expresión del fragmento individual, es parte que entra en relación con un todo.

Miguel Ángel Giovanetti

Ambos artistas se enriquecen y estimulan mutuamente desde la palabra y desde la forma y, con ambas, nos llaman a los espectadores a abrir nuestra conciencia y nuestra percepción.

Fotos de autoria propia. Publicado el 4/9/2011
Link directo: http://www.ramona.org.ar/node/38773
Publicada en web de Luis Espinosa: http://arteluisespinosa.blogspot.com.ar/2011/09/acerca-de-la-fragmentacion-del-universo.html

Reseña sobre la muestra "Mi Dormitorio"

"Mi Dormitorio"

Artista: Alfredo Benavídez Bedoya
CC Recoleta - 19/8 al 19/9/2011
Publicado en ramona web

Alfredo Benavídez Bedoya nos invita a compartir con él las imágenes ensoñadas del proceso onírico. Con un fuerte carácter expresionista, inclusive remitiendo al expresionismo alemán en Europa y a ciertas litografías de los Artistas del Pueblo argentinos, las obras que vemos colgadas en las paredes nos sumergen en la psiquis compleja del artista, del ser humano. El sexo, la violencia, el arte, la literatura, la ciudad, entre otros, son parte de esta sucesión de imágenes fuertes, contundentes, impactantes. También podemos vincularlo con los dibujos de Escher y con las pautas surrealistas de creación artística a través del interés en el mundo de los sueños.

El sueño como satisfacción de deseos incumplidos, de fantasías reprimidas, así como la pesadilla violenta y desgarrante son material inagotable para la producción artística. Si bien parten del inconsciente individual, forman parte del imaginario común en todos los hombres, así como el arte, la sexualidad, la vida cotidiana. Todo esto se presenta transformado, desplazado y condensado desde la individualidad de Benavídez Bedoya. 

También interviene páginas de libros con acotaciones y personajes, así como juega con personajes históricos y ficcionales. La realidad se desfigura y reconfigura en la forma artística. Se nos abre la puerta al mundo mágico, misterioso y siniestro que conforma la mente humana, a veces indescifrable y paradójica, otras clara y concisa. Lo representado llama a la interpretación por parte del espectador, genera shock, despierta pensamientos y recuerdos, asociaciones infinitas. Porque todos soñamos, despiertos y dormidos, y todos simbolizamos, cada uno a nuestra manera. Por ende no nos resulta ajeno lo que contemplamos, sino que conlleva en sí mismo un carácter familiar y cercano.

El dormitorio del artista se une al dormitorio de todos, donde soñamos con amores, con pasiones, donde se representan nuestros miedos y terrores más siniestros. Donde buscamos el reposo que a veces hayamos y otras veces no. Donde nos desvelamos y entramos en ensoñaciones. Donde descansamos. Y, fundamentalmente, donde nuestro inconsciente emerge, si bien presionado por la barrera de la represión, con sus mecanismos complejos, como texto rico a ser analizado.

Fotos de autoria propia. Publicado el 4/9/2011
Link directo: http://www.ramona.org.ar/node/38774

Reseña sobre la muestra "Tandem"

"Sorin: Arte Polifacético y Experimental"

Artista: Pierrick Sorin
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) - 26/5 al 24/7/2011
Publicada en ramona web

Pierrick Sorin usa su propio cuerpo y su vida como materia artística, siendo los medios-soporte el video y la instalación. De manera humorística, irónica, trágica, este uso de su Ser como material lo vincula a la performance y al teatro. Sorin es el gran actor dentro de sus propias obras, inclusive en aquellas en las que no aparece físicamente.

Se desenvuelve frente a la cámara sin pudores ni tapujos, haciendo de la vida real ficción y de la ficción realidad. En las pequeñas instalaciones en las que aparece su imagen sobre un tocadiscos, o la que remite a las posiciones sexuales, recurre al humor, a la sátira, para la trasmisión del mensaje. A veces se duplica o multiplica, tomando diversos roles, ampliando los significados. 

Polifacético él, polifacético su arte, Sorin recurre a diversas estrategias apuntando a una apertura de significados frente a la cual el espectador hace que todo cobre sentido. El mismo, recorriendo la muestra, emprende un recorrido sensorial y, sobre todo, emocional: podemos reír frente al tocadiscos sobre el que corre al estilo Buster Keaton, podemos sentirnos agredidos cuando nos “escupe en la cara”, podemos identificarnos con los videos de pequeños hechos cotidianos que todos hacemos, podemos asombrarnos con la idea de que la energía unida puede crear un arcoiris. Se nos pide que nos tomemos un momento para prestar atención, para escuchar. No son obras que uno puede ver al pasar simplemente. Debemos sentarnos, escuchar, leer.....y ese requerimiento de nuestra participación completa la obra y hace que se plantee la reflexión.

Sorin juega con diferentes temáticas y soportes, experimentando y creando a través de ellos, y poniéndose en el rol de artista así como en el de actor de sus propias obras, planteando un enriquecimiento de la misma con su propia participación, y deconstruyendo el mito del artista ajeno a la vida, concentrado sólo en su arte. Se muestra como una persona común y corriente que crea, como todos creamos cotidianamente, quizás sin darnos cuenta, en distintos niveles. El carácter lúdico impera en varias de las obras, llegando a la satirización de lo que se nos presenta como breves obras teatrales. 

El artista experimenta y nos incluye, reflexiona y nos implica e interpela para que participemos en el juego, para que nos abramos a la reflexión y a la interpretación.

Fotos de autoría propia. Publicada el 20/6/2011

Link a la reseña: http://www.ramona.org.ar/node/37384

Reseña sobre la muestra "Simplemente Doisneau"

"El Cazador Clandestino de lo Efímero"

Artista: Robert Doisneau
CC Recoleta - 13/5 al 17/6/2011
Publicado en ramona web

Un click. Un instante. La eternidad. Así Robert Doisneau logró convertirse en uno de los más importantes fotógrafos del siglo XX. La exposición que reúne 137 fotografías de su autoría en el Centro Cultural Recoleta es un viaje hacia la París del siglo pasado, sus rincones, sus suburbios, su gente, sus noches y sus días. El don de Doisneau radicó en ser un observador minucioso de la realidad, logrando captar, más allá de la imagen en sí, verdaderas esencias.

Su carrera abarcó varias facetas: desde fotógrafo industrial y publicitario de la empresa Renault hasta la fotografía de modas en la revista Vogue, pasando por sus colaboraciones con Henri Cartier-Bresson y Robert Capa, el trabajo para diferentes agencias y el contacto con los intelectuales contemporáneos a él. Pero su verdadera estética se formó en la calle, de manera autodidacta, partiendo de la mera observación y captando el intervalo perfecto, congelándolo para siempre.

“Yo soy un cazador clandestino de lo efímero”. Esta frase, escrita en una de las paredes de la muestra, claramente retrata la cualidad estética del fotógrafo. El día se hace noche: las mujeres de los burdeles, los hombres nocturnos....La noche se hace día: los niños jugando, las parejas besándose.....Los suburbios parisinos, donde él vivió, son paisajes familiares, donde encuentra detalles que sólo un verdadero conocedor puede hacerlo. Así construye su singular poética. Poética que se expande a la gran capital y sus habitantes, sus usos y costumbres, su identidad. El instante es lo efímero, pero al quedar congelado en la toma, queda como registro, como recuerdo, perviviendo en el tiempo. A la caza de la magia de la imagen, Doisneau se ubica como esteta creador de una poética particular, a veces desde la toma armada, pero sobre todo desde la clandestinidad, estando en el momento justo y el lugar indicado, logrando imágenes únicas e irrepetibles, sin ser visto pero mirando en profundidad el contexto circundante. 

Un artista de la fotografía, un poeta de la realidad, un voyeur de la vida cotidiana, sin cotillones ni adornos ni poses estructuradas. La pureza de la espontaneidad y la crudeza de lo común, los besos y la guerra, dos polos tan opuestos, forman parte de su legado estético y documental.

Fotos de autoria propia. Publicada el 30/5/2011

Link directo a la reseña y más fotografías: http://www.ramona.org.ar/node/36982