"Expansiva II: La tensa calma de la superficie"

Expandiendo Significados

Luciana Rondolini - "My silver
 path, Jewlery"

A primera vista lo percibido es la superficie pero ¿qué hay más allá? ¿qué hay por detrás?. Se puede establecer un vínculo entre lo externo y lo interno, el cual claramente se contempla en la serie de obras agrupadas en la exposición “Expansiva II: la tensa calma de la superficie”. Buscando empujar los límites de la noción tradicional de obra, el corpus seleccionado se auna bajo la premisa del juego entre el adentro y el afuera, juego en el que participan el artista, el espectador, la obra y el espacio del CC San Martín. La invitación es clara: ir más allá de la obra en sí, de la “superficie”, para indagar aspectos intrínsectos a la misma. Y sí, requisito indispensable es la participación de quien recorre el hall y contempla. Porque el mero acto de la contemplación no nos lleva a un camino único de interpretación, sino que abre la vía a múltiples análisis.

En un primer nivel, cada obra es un site specific: juega con el espacio arquitectónico del edificio que la contiene, con la luz, la altura, la materialidad y el recorrido posible. Pero al ahondar en la significación, cada una es un mundo en sí misma, que despliega una riqueza y mensaje único.

Dany Barreto - "OP Guaraní TOY"

“OP Guaraní TOY- homenaje a Jorge de la Vega”, el trabajo que nace de la mano de Dany Barreto, se haya instalada sobre una gran columna de mármol que atrae enseguida a la mirada, tanto desde afuera del edificio como desde adentro. La trama de autitos de juguete llama la atención por el colorido y por la iluminación, cobrando un carácter totémico que se impone en la sala. Empujando los límites del arte hacia la artesanía (tejido-entramado), Barreto toma objetos cotidianos vinculados con la ludicidad en la infancia para homenajear a de la Vega, artista que participó en el proyecto del edificio del San Martín. El entramado de significaciones otorga un peso específico a la instalación, donde todo se relaciona: la arquitectura, el arte y su juego constante que se vincula con la inocencia del espectador, los artistas y el espacio, proponiendo una lectura compleja y reflexiva.

Estanislado Florido

El señalamiento realizado por Estanislao Florido marca un vínculo entre el adentro y el afuera espacial. El artista nos indica, con su estructura de marcos, hacia donde mirar, nos señala un recorte que resignifica el interior de la sala y lo que se contempla hacia afuera. El site specific aquí juega con el límite entre lo que se halla estríctamente dentro del campo artístico y aquello que ingresa en el mismo mediante la acción y por la intención del artista. A la manera de los Vivo Dito de Alberto Greco, Florido juega con la construcción del significado mediante la señalización y el direccionamiento de la atención del espectador, quien completa la obra jugando con lo externo y lo interno.

Si en la obra de Barreto la superficie se vincula con el interior de la sala y en la de Florido el juego es interno-externo, en la instalación en la vidriera de Luciana Rondolini, "My silver path, Jewelry", este carácter se vuelve autorreferencial. Las piezas que componen dicha obra son frutas recubiertas con gemas de plástico, elevándolas al status de joyería. La trama de significación es intrínseca, ya que la superficie engalanada oculta por debajo el paso del tiempo, que conllevará a la putrefacción natural del alimento. “No todo lo que brilla es oro” es la frase que puede venir a la mente: por fuera objetos bellos y llamativos, por dentro el devenir del tiempo que no se detiene.

La sala se completa con la participación del colectivo Publicaciones Independientes y su Biblioteca Rodante. Con mobiliario original del San Martín han armado un espacio para la pausa y la comunión entre el espectador y las publicaciones. El proyecto colectivo auna ejemplares dedicados a las producciones artísticas, reuniendo distintos puntos de vista con el fin de difundir y abrir el espectro de las interpretaciones culturales. La construcción del discurso sobre el arte y la cultura en su más amplio rango se ve enriquecido por dichas producciones, que llegan a manos de los espectadores para ampliar sus reflexiones y abrir el juego del pensamiento sobre la diversidad cultural.

Quedan todos invitados a un recorrido intenso, donde la calma sólo se halla en la superficie porque, por debajo, los múltiples significados están listos para aflorar.

La muestra, con excepción de la participación de Publicaciones Independientes que cierra el 12 de octubre, se extiende hasta el 13 de diciembre.

Las actividades programadas se pueden encontrar en:http://www.centroculturalsanmartin.com/novedades/53_expansiva-ii-

Fotografías gentileza Mariano Soto.

Publicado en ramona web el 24/9/12: http://www.ramona.org.ar/node/45081
En web de Dany Barreto: http://www.danybarreto.com.ar/prensa_moron.html
En web de Luciana Rondolini: http://lucianarondolini.tumblr.com/

Reseña sobre la muestra "Geométricos Hoy. Caminos en Expansión" - MACBA

Nuevos Aires Geométricos

UADE Art - del 17 de mayo al 29 de junio de 2012

La exposición “Geométricos Hoy. Caminos en Expansión” presenta parte del acervo patrimonial del Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA), cuya inauguración es esperada hacia finales de año.

La selección de obra apunta a mostrar el panorama abstracto geométrico en la producción local desde la década del noventa en adelante. Así, encontramos obras de Silvia Gurfein, Roberto Scafidi, Verónica Di Toro, Jimena Fuertes, Pablo Siquier, Carola Zech, Natalia Cacchiarelli, Beto de Volder, Graciela Hasper y Silvana Lacarra, entre otros.

El planteo posible a hacernos como espectadores es ¿cuáles son estos caminos de la geometria?. Aquí los artistas no conforman un grupo heterogéneo en sí, ni están enmarcados en un planteo contra el naturalismo ni contra ningún estilo artístico en especial. Tampoco se aunan en una lucha política por la legitimación frente a la Institución Arte ni sus ideas debaten directamente con otras en la escena artística contemporánea.

Lo interesante es como cada uno de ellos trabaja problemáticas intrínsecas al hacer artístico y a la abstracción y la geométria en sí, siendo éstas el lenguaje elegido para su propia expresión. El camino que cada artista sigue lo hace ver y reveer cuestiones formales, materiales, problemáticas de color, movimiento y profundidad, rescatándose el hecho de que cada uno de ellos es original en su planteo y delinea su propio sendero de creación. El interés individual entra en diálogo coherente con el colectivo, pudiéndose así formar el corpus expuesto. Como resultado podemos apreciar las investigaciones profundas y comprometidas de los artistas exhibidos, que se vinculan entre sí mediante el mismo lenguaje.

En una época donde la literalidad de la imagen invade al espectador, donde las problemáticas artísticas corren por diversas vías y la visión impera en la comprensión de los significados subyacentes a las obras, los “geométricos de hoy” abren la puerta a la reflexión. Vuelven a la obra misma sin dejar de contextualizarse y ofrecen un abanico de posibilidades simbólicas y significativas que implican a quien se para frente a las obras en una participación activa. Esto hace posible la abstracción geométrica: poner parte de uno mismo en cada una de las obras y pensar más allá de lo visible, liberando al pensamiento de la imagen en sí para reflexionar sobre aquello intrínseco a la obra.

Publicada en ramona web: http://www.ramona.org.ar/node/43006
Publicada en web del MACBA: http://www.macba.com.ar/prensa.php

Obras de Verónica Toro, Gabriela Boer, Silvia Gurfein y Carola Zech.

Reseña sobre la muestra "Brailles y Relecturas de la biblia"

De la Subversión de los Relatos

Malba - 30/3 al 2/7/12

León Ferrari se ha destacado, a lo largo de su carrera, por ser un artista comprometido, contundente y reflexivo. “Relecturas de la Biblia” y “Brailles”, dos series de obras comenzadas a mediados de los 80`s y de los 90`s, son los corpus de collages y reproducciones de obras que nos presenta el Malba, en diálogo con la muestra “Bye Bye American Pie”. Los artistas expuestos en ésta última se caracterizan por una crítica descarnada, shockeante y hasta violenta de la realidad y el sistema estadounidense, mientras Ferrari posa su mirada sobre el sexo, la religión, la guerra y la historia del arte para hacerlo desde la ironía y la sutileza. Contrapuestas en cierto sentido y complementarias, ambas se destacan por la referencia al entorno desde la confrontación y el inconformismo.

Las relecturas sobre la Biblia parten del montaje de imágenes que relacionan por un lado el sexo con la religión y, por otro, la guerra y el poder con la misma. Ferrari se adueña de fragmentos de obras de arte bizantinas y renacentistas en su mayoría (por ejemplo toma al Adán y la figura de Dios de la Capilla Sixtina) para yuxtaponerlas con iconografía proveniente de la erótica oriental. Se produce un juego de tensión entre la explicitud de las últimas, a la manera de Kamasutra del Oriente, y los santos que miran los actos carnales, o los mismos dentro de escenas pertenecientes a la tradición judeo cristiana (como la Anunciación). La selección y unión de imágenes no es azarosa en absoluto: la intención de confrontación es palpable, así como la búsqueda del efecto en el espectador, que no busca ser de “shock” en sí sino despertar la reflexión desde el juego de relaciones iconográficas. Si bien la explicitud sexual es buscada y clara, no se genera un choque violento con los motivos cristianos sino que el resultado da a una suerte de voyerismo icónico, a un destape moral, a una caída de cierta hipocrecía mantenida durante siglos desde la institución eclesiástica. Los tabúes se desmoronan frente a nuestros ojos gracias a la destreza de Ferrari para seleccionar y vincular las imágenes que conforman los collages.

Otra parte de la serie relaciona la religión con la guerra y el poder: aquí los santos, los apóstoles y demás figuras se unen en el collage con imágenes de aviones caza, misiles, bombas. Llama la atención puntualmente una obra donde la representación de Dios de Miguel Ángel, salida del tramo de la Capilla Sixtina que refleja la creación del mundo, se ubica señalando sobre una fotografía de Hiroshima post bomba atómica. Dicha obra está rodeada por otras dos, donde lo que se yuxtapone a la representación bíblica es la bandera con la esvástica nazi y la figura de Juan Pablo II. De manera irónica y con cierto minimalismo de recursos (ninguna composición es recargada sino al contrario, despojada y contundente) ambas partes de la serie cuestionan la ética y los valores tradicionales impuestos. Aquí no se trata de alusiones sino de una reflexión concisa que busca ser contundente. La relación entre las diferentes iconografías, en parte tomadas de los medios masivos de comunicación, no resulta violenta en sí: es clara e incisiva. Cada cartel explicativo de las obras dice de dónde provienen las imágenes montadas, como buscando cierto carácter de archivo o de nexo que indique el lugar de origen de las mismas.

“Brailles” es una serie de obras que parte de reproducciones de otras de artistas relevantes en la historia del arte, intervenidas mediante el método de escritura para no videntes. Nuevamente la temática tiene que ver con pasajes de la Biblia, frases que encontramos explicitadas al costado de cada obra, y con poemas. En uno de los textos explicativos que podemos leer sobre la serie se comenta la intención de Ferrari de privilegiar el tacto por sobre la mirada y que la elección de poemas surgió de la relación que el artista estableció entre Borges y su ceguera. Se producen desplazamientos de significados en la relación entre la imagen, el texto y el llamado al tacto que genera el braille. Relación triangular peculiar que despierta conexiones nuevas entre sentidos connotados y denotados. Sentidos surgidos de la búsqueda de generar asociaciones y reflexiones en el espectador.

Siguiendo la línea de pensamiento y trabajo de Ferrari, ambas series se interconectan en niveles amplios, desde una suerte de iconoclasia que no lo es porque se vale de la imagen misma para construir nuevos significados y llamarnos a pensar desde otro lugar lo establecido, lo canónico y lo tradicional.

Publicado en ramona web: http://www.ramona.org.ar/node/42781

Reseña sobre la muestra "Grabadoras de Buenos Aires"

Acerca del Grabado y las Mujeres

Galería Zurbarán - del 16/1 al 21/3/12

Lucrecia Orloff - "Concierto" - 2/6
 litografía - 2010

Lejos en el tiempo quedan las litografías de Andrea Macaire de Bacle retratando a los próceres de la época de Rosas. Lejos su uso exclusivamente para las publicaciones periódicas y la propaganda política. Pero el grabado es siempre una técnica que se actualiza, que no pierde vigencia, quizás gracias a que posibilita la reproducción en serie y a sus variantes expresivas y materiales. Con una historia que se remonta en el tiempo, en el siglo XX la técnica se expande a los territorios del arte. Y las mujeres lo aprenden, adoptan, lo hacen propio. 

Marta Pérez Temperley - "Volteo" -
 xilografía - 2011

Como bien cita Matilde Marín en el catálogo que acompaña la muestra Aída Carballo, Reina Kochasian, Ana María Moncalvo o Liliana Porter han hecho del grabado su vehículo expresivo. Lo mismo hacen las artistas que exponen en Zurbarán: cada una de ellas, con su estilo propio, sus influencias e intereses, nos brindan un panorama rico en variantes temáticas y técnicas.

Se requiere una particular destreza, un conocimiento de la técnica elegida estricto, ya sea la litografía, la serigrafía, la xilografía o las aguafuertes o aguatintas, o en sus formas más innovadoras como la colografía o el stencil. Aunque cierto es que se puede innovar con todos estos medios: aquí es donde el talento del artista cobra vida, se explaya sobre el soporte, cobra entidad y da a luz a la obra.

Zulema Maza - "Angel" - fotografía, intervención digital,
transferencia manual, grafito y pintura acrílica - 2006

Roxana Celman - "El despertar de Estefanía" -
P/A - aguafuerte y aguatinta - 1999

De la figuración a la abstracción, las mujeres que graban lo hacen poniendo su cuerpo y su inspiración. Los temas elegidos no siempre tienen que ver con el mundo femenino pero sí son planteados desde una mirada femenina. 

Composiciones en base a objetos encontrados es lo que vemos en la obra de Ángela Herrero. El mundo icónico de la moda en Zulema Maza y la naturaleza sensible y aprehensible en Nora Iniesta. El mundo del espectáculo (la música y el circo) en Lucrecia Orloff y Marta Pérez Temperley. La figura femenina, desde una mirada íntima e interior, en Roxana Celman. Composiciones abstractas y geométricas en Alda María Armagni, Marta Belmes y sus gofrados y Alicia Díaz Rinaldi. Estos son algunos ejemplos de aquello que inspira a estas grabadoras experimentadas y que experimentan.

“Grabadoras de Buenos Aires”, recomendada para aquellos interesados en entrar en el mundo de tan variada y fantástica técnica, de la mano de mujeres talentosas y únicas.

Publicado en ramona: http://www.ramona.org.ar/node/41600

Fotos de autoría propia. 

Espacio, Geometría y Estructura - Pablo Siquier

Muestra: "Murales e Instalaciones" - Pablo Siquier

CC Recoleta - 23/2 al 23/3/12



"1201"

La muestra de Pablo Siquier “Murales e Instalaciones” exhibe cinco obras del artista que siguen una línea arquitectónica y geométrica muy marcada. Se puede postular que se establece una relación entre opuestos que se complementan entre sí, porque las obras generan sensaciones diferentes pero  apuntan a los mismos objetivos: la construcción en el espacio, la estructuración tridimensional y la apertura sensorial e intelectual en el espectador en recorridos visuales complejos y ricos.  

1201, la instalación en hierro que se ubica en el centro de la sala como figura principal, es una estructura a la manera de mecano de grandes dimensiones, donde lo que se juega es la espacialidad y la relación entre el espectador y la obra. Un dibujo espacial, tridimensional, a través de la cual la luz entra y sale generando sombras geométricas en el suelo. Un entramado que da sensación de liviandad, en cuyo interior se construyen y reconstruyen infinidad de geometrías imbricadas, espacios abiertos y un sin fin de posibilidades visuales, según dónde nos hallemos ubicados y cuán despierta sea nuestra curiosidad. La obra es cerrada en sí misma, no es penetrable físicamente pero sí visualmente. Y dicha visualización se enriquece en el recorrido alrededor de la misma con las distintas perspectivas que se obtienen, con la luminosidad del hierro, con los trazos que se dibujan en el piso por el reflejo del mismo. Cierto halo de transparencia la inunda como si fuera etérea pero contundente a la vez: se planta en el espacio con su tridimensionalidad pero es “atravesable” con la mirada.



"0819"



0819, uno de los dos murales exhibidos realizado en carbón, presenta una fuerte sensación de profundidad, como si rompiera el muro hacia adentro. Se visualiza como una arquitectura abstracta, así como el mural en la pared opuesta, pero posible. Una construcción perfecta e inmutable, calibrada, pero también delicada y sensible en los detalles. Da a cierto movimiento contenido mediante las pulcras rectas y curvas que lo conforman. Nada queda librado al azar. Como 1201 es una estructura cerrada en sí misma, imbricada, pero contenedora de aberturas y recovecos precisos que invitan a ser recorridos con la vista.



"0909"



0909, mural en vinilo autoadhesivo, tiene una mayor contundencia y un fuerte atractivo visual. Si 0819 tiene como característica la profundidad, esta obra sale del muro hacia el espectador.  Los juegos entre los espacios en blanco y las sombras negras le otorgan tridimensionalidad y cierto movimiento ondulante. No es una obra cerrada en sí misma como el mural opuesto, sino que se abre en el espacio hacia los laterales, figurando la posibilidad de continuación en el espacio. Las líneas curvas y rectas se superponen unas con otras formando una abstracción geométrica impactante y llamativa, como si fuera un mapa complejo trazado sobre el muro.

S/t, la instalación en poliestireno expandido que se encuentra en una de las salas laterales, es una suerte de muro arquitectónico recargado, ondulante. Posee un fuerte carácter táctil y deslumbra por el blanco imponente que se despliega en la totalidad del espacio. Esto  genera  un ambiente especial, envolviendo al espectador en una estructura exhuberante que da la fuerte sensación de ser mullida a simple vista. El recorrido por la obra es continuo y de una marcada horizontalidad. Los juegos de luces y sombras son sutiles, apenas perceptibles, delicados.

Lo opuesto ocurre al ingresar en la sala opuesta, donde se ubica  S/t, instalación realizada con 10.000 maderitas dispuestas en zigzag. Aquí la construcción realizada se presenta como rígida a primera vista por el material y por la forma rectangular de las pequeñas maderas pintadas con puntos. Se da una fuerte contraposición entre una y otra instalación, una “blanda” y la otra “dura”, una “cerrada” y la otra “abierta”. Pero al recorrer el espacio la estructura se convierte en ondulante, en maleable por su composición, organización en niveles y forma casi triangular que se acerca hacia el espectador. El detalle está en que las maderas y la pared de fondo son del mismo color: la ilusión visual del conjunto es la de estar contemplando una infinidad de puntos flotando en el espacio.

La obra de Siquier requiere de una puesta del cuerpo y de la mente en acción. Experiencia única para ser vivenciada con los sentidos y con el intelecto.

Fotos de autoría propia.

Publicado en ramona web: http://www.ramona.org.ar/node/41514

Reseña sobre la muestra "Off" - Adrián Paiva

Vivir la Naturaleza

"Off" - Adrián Paiva - CC Recoleta - 2/2/2012 al 26/2/2012



"Paraná Miní"

"Ecléctico"



La serie de cuadros realizados por Adrián Paiva y expuestos en el CC Recoleta impresionan a primera vista. Nos hayamos de golpe inmersos en el paisaje, perdidos en la naturaleza. Una que nos envuelve en sus tonalidades, en sus luces y sombras, cálidamente. Tranquilidad absoluta para todos aquellos que habitan las grandes ciudades, anhelo de verde, de brisa, del sonido del silencio.

Las obras están plagadas de texturas visuales, emanan destellos de luz que atraen instantáneamente. Los sentidos se abren frente a las mismas y se agudizan, buscando introducirse en la totalidad pero deteniéndose en el detalle y en la sensación provocada.  El artista posee un talento particular para captar un recorte del paisaje sin que el mismo se descontextualice. 



"S/T"

 Aquí la cuestión no pasa por la mímesis o no con la realidad. Lo interesante del corpus  es la capacidad de Paiva de transportar al espectador al medio del ámbito natural y envolverlo con el mismo. La frondosidad de los árboles, las ramas, las hojas, las tonalidades cromáticas: todo llama la atención sin invadirla, sin perturbarla, sencillamente con la destreza que posee para representar un determinado lugar en el mundo y hacer que nos adentremos en él. 

La voluptuosidad de verdes en distintos tonos hace a la espesura del follaje en “Ecléctico”. Más depurada, pero no por eso menos contundente, es la obra “S/t”, donde las ramas se entrecruzan jugando complejamente. “Nocturno” irradia una luminosidad exquisita, como si un foco alumbrara la arboleda en plena noche cerrada.  A cielo abierto podemos contemplar a la naturaleza en su momento quizás más frágil y resistente a la vez, en “Invierno”.  “Conch” y “Ciruelo” nuevamente nos plagan de verdes y ocres entrelazados en mares de vegetación contenedora y cálida.

"Nocturno"

Se destaca “Paraná Miní” en el conjunto, realizada en tinta y carbonilla, por su monumentalidad. El detalle, el manejo de la luminosidad y la oscuridad, la fuerte tridimensionalidad transportan directamente al sitio representado, en un viaje sensitivo y sensorial digno de ser experimentado. 

“Off” es una aventura imperdible, una vuelta a la Creación y a la creatividad artística.



Fotos de autoría propia. Publicada en http://www.ramona.org.ar/node/41462
Publicada en web del artista: http://www.adrianpaiva.com.ar/index.php?id=33

Reseña sobre la muestra "Paisaje Nervioso" - Vicente Grondona

Naturaleza Omnipresente

En la Galería Alberto Sendros - del 21-12-11 al 24-02-12

Un diálogo con el pasado y con el presente, con la historia del arte y la naturaleza. A sumergirnos en el mismo nos invita Vicente Grondona con sus obras, en la muestra “Paisaje Nervioso”, exhibida en la Galería Alberto Sendrós.

Las pinturas y el dibujo en carbón sobre tela, así como las esculturas en talla directa en carbón vegetal, tienen en común lo natural como medio expresivo y como mensaje aprehensible. Esta omnipresencia invade la sala y sensibiliza al espectador: todo parece cercano, sobre todo el carbón como algo de uso cotidiano si se quiere, y lejano a la vez, por el aura que rodea a las obras.

Pueden establecerse numerosos vínculos entre las obras de Grondona y la historia del arte: en lo bidimensional el uso de la tinta y los trazos pueden remitir a la pintura oriental, a un impresionismo depurado y sintético. En lo escultórico se puede recordar las tallas medievales románicas y las de las misiones jesuíticas. Reminiscencias del pasado rodean a las obras tridimensionales, trabajadas con una maestría impecable teniendo en cuenta al material. Las cabezas femeninas y masculinas, las máscaras y los conjuntos de objetos (Anaqueles Posthistóricos I y II) poseen un carácter cuasi arqueológico, quizás arcaico, que vincula pasado, presente y futuro, prehistoria-historia y posthistoria. Un ida y vuelta en el tiempo, perceptible frente al conjunto de obras. Objetos reconocibles e irreconocibles, formas concisas y utilitarias, evocaciones de lo que estuvo y lo que está. Rostros sin cuerpo, como restos hallados provenientes de otro tiempo, de otro lugar. Todo confluye en el mismo espacio y entra en relación con los cuadros y sus motivos naturales.

Más allá de estos nexos realizables, lo interesante es la originalidad y sensibilidad que muestra Grondona para adueñarse de la naturaleza en el doble juego que implica pensarla como material expresivo y  como tema o motivo.  El fragmento es resignificado y revalorizado. El resto, el escombro, es material  que contiene en potencia la expresión, es medio y lenguaje a la vez.  Y la habilidad del creador hace que confluya esa latencia, que encuentra en el mismo, en obras únicas y singulares, que no pierden su cualidad innata natural. Dichas características recorren toda la producción del artista, que siempre se ha valido de la experimentación con los materiales y ha desarrollado un corpus de obra coherente y conciso, basado en las premisas antes mencionadas que son pautas de estilo propias. 

Las pinturas y el dibujo toman el tema del paisaje con sutileza, a veces plagando la superficie de líneas, otras esbozando y sintetizando. El espectador contempla la frondosidad del paisaje santiagueño, la síntesis del “Paysage bleu”, el color alterado y contundente del “Paisaje nervioso”. La obra “Brujo que sale fuera del monte” se presenta a la manera de fábula, relacionándose directamente con los demás paisajes y con las esculturas, como si el conjunto de obras exhibidas se tratase de la narración de una historia con distintos tiempos pero al mismo tiempo, con distintos capítulos pero con el mismo hilo conductor de fondo. La historia del descubrimiento de la naturaleza como fuente de inspiración, de materia y de idea, tres estadios distintos y complementarios que se unen en un todo. Narración que nos invita a ver con otros ojos, a pensar en lo que nos rodea, a agudizar la percepción.



publicada en ramona: http://www.ramona.org.ar/node/41370
fotos publicadas en www.ramona.org.ar